Pierre Soulages (Soñar_te)

Soñar_te consiste en la producción de colchas a partir de la elaboración artística de Pierre Soulages, principal representante francés del Tachismo.  Estas colchas tendrán bordados los cuadros de Pierre Soulages, un juego entre el blanco y el negro, entre el Tachismo y el sueño.  Donde la tela de la sábana o colcha se convierte en el lienzo y la cama en el marco del cuadro con el cuál uno se podrá cubrir para dormir, bajo las pinceladas del autor Soulages.  

Estas colchas contarán con la biografía del artista a un costado de la colcha, o si se desea se puede crear la impresión sobre la almohada o sábana.  Esto permite que se de a conocer la vida del autor, sus principales obras, sus influencias, su vanguardia y que también se divulgue más sobre un gran artista que ha marcado tendencias en el mundo del arte.  Soñar_te, a partir de los trazos de Soulages, busca un estilo minimalista, en el cual el blanco predomina y encaja de forma perfecta con el negro y que descubre diferentes tonalidades de azul y naranja, que resaltan y le dan color a estas pinceladas que se convierten en tela para cubrirte al soñar.   Este estilo minimalista, mezclado con el estilo vanguardista Tachismo, busca ese juego de luz que tanto se encuentra en los cuadros del francés Pierre Soulages, donde el negro pasa de ser un color oscuro a uno brillante. 

Soñar_te permitirá la divulgación de una carrera brillante dentro del mundo francés y el mundo del arte contemporáneo, donde visualizar la cama simboliza revivir al artista.  

Jorge Del Río de Echávarri.  

Andy Goldsworthy

Andy Goldsworthy  es un escultor, fotógrafo y un ambientalista que crea obras de arte "site-specific" (obras de arte creadas para que existan en cierto lugar) y "land-art" (el paisaje y la obra de arte están íntimamente relacionados).

Desde 1970 Andy Goldsworthy ha viajado a sitios alrededor del mundo para crear una inmensa cantidad de obras en las que trabaja con materiales naturales, entre los cuales están ramas, flores y hojas, lodo y piedra, y lluvia y nieve.  
La mayoría de sus esculturas son delicadas y duran tan siquiera un momento.  Muchas otras buscan la supervivencia  y la permanencia entre la naturaleza, las cuales están echas de piedra.   Las obras de Goldsworthy están unidas por sus diálogos profundos y multifacéticos con la geometría, la naturaleza, el lugar, los rituales, el trabajo y el tiempo que se expresa a través de varios vectores: lo real, lo vivencial, lo temporal, lo geológico, histórico y cosmológico.

Sus obras de arte rompen con el orden de la naturaleza, creando un desequilibrio, ocasionando un caos que al fin y al cabo construye una armonía única entre aquél balance perfecto de lo natural.   Lo caótico de sus obras acaban rompiendo y atrapando el orden de la naturaleza.

Goldsworthy sin duda alguna logra remontarnos a los lugares que imaginábamos cuando éramos pequeños, esos lugares remotos que ocupaban nuestros pensamientos, únicos e irrepetibles.  Sus obras están plagadas de ese aire fantasioso, ese toque mágico que encontramos constantemente entre los paisajes y las obras de arte de la naturaleza.  Sus materiales, tan naturales como su estudio, hacen de su obra un juego y una interpretación del espacio-tiempo, de la temporalidad, del propio tiempo que muchas veces arrasa con sus obras, jugando con ellas.

Sin duda alguna este artista mágico nos hace pensar en la autenticidad de la naturaleza, su gama de colores, su perfecta geometría, su fragilidad, y sobre todo resalta la belleza dentro del orden y el caos.

Las obras de este artista no están a la venta debido a la naturalidad y la temporalidad de sus obras, además creo que iría en contra de todo lo que busca este gran artista, rompería con la naturaleza detrás de sus grandes lienzos a base de nieve y lodo, de flores y ramas.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Andy_Goldsworthy
Andy Goldsworthy at Decordova, DeCordova Sculpture Park and Museum, Lincoln, Massachusetts.

Claude Monet

"Había enviado algo hecho en El Havre, desde mi ventana; el sol en la niebla, y, en primer plano, algunos mástiles de navíos apuntando... Se me pidió el título para el catálogo, verdaderamente eso no podía pasar por una vista de El Havre; respondí: <<Poned: IMPRESION>>.  Se convirtió en impresionismo y las bromas se propagaron".  

                                                                                   - Claude Monet.

Oscar-Claude Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, en la rue Lafitte.  A los cinco años Claude y su familia se trasladan al puerto de El Havre.  Monet demuestra una gran afición y una gran técnica para las caricaturas, consigue cierta notoriedad dibujando caricaturas donde retrata a los personajes más conocidos de El Havre. 

Primer Maestro

Eugène Boudin va a ser una persona decisiva en la vida de Monet ya que este paisajista le va a dar consejos decisivos para convertir su talento en temperamento artístico y lo incita a dejar las caricaturas, que reconoce, de un principio fueron de gran ayuda para el desarrollo de Claude.   "Finalmente, mis ojos se abrieron y entendí de verdad la naturaleza; al mismo tiempo aprendí a amarla".

Africa 

En 1860 Monet va a presentarse ante las autoridades militares para llevar en marcha su servicio militar.  Va a ser trasladado a Argelia.  En ese país que aprendió a amar, se refuerza su convicción de convertirse en pintor: " Sólo pensaba en pintar; de tanto que me embriagaba aquel espléndido país".   Después de dos años es repatriado y regresa a El Havre con sus padres.  Conoce y entabla una amistad con el pintor holandés Johan-Barthold Jongkind.  Finalmente en 1862, Monet puede regresar a París.

El Salón

En 1865, Monet somete a la opinión del jurado dos telas que son aceptadas.  La desembocadura del Sena en Honfleur y La punta de la Héve en marea baja que son bastante bien acogidas por la crítica.  A diferencia de Manet, permanece aún ligado al tema, que no tiene el carácter emblemático del escandaloso cuadro del Salon de 1863.  En aquella época, Monet está bastante ocupado con la descripción de los lugares, su voluntad de respetar al máximo la realidad física de la percepción.  Su técnica evoluciona de manera palpable.  En el salón de 1866, en la inauguración, Manet fue aclamado y felicitado por su nueva obra de arte.  No fue hasta que dio vuelta y observo que lo habían confundido y lo elogiaban por el cuadro de Monet, Camille en Vestido Verde.   El cuadro Mujeres en el jardín, realizado "en plein air" es rechazado.  

"En plein Air"

El plein air fue una innovación peligrosa, hasta entonces nadie se había afrentado a ella, ni siquiera Manet.  Esta técnica logró que el estilo de Monet fuera perdiendo un estilo clásico y fue adquiriendo un toque revolucionario.  Con esto fue adoptando la subdivisión de colores, por lo que muchos después se lanzarían en contra de el.  Aprendió a educar su mano y a experimentar sobre los efectos de luz y color, que en ese entonces fueron una bofetada para las costumbres de la época. 

El arte en el Jardín y los Nenúfares 

En 1889 es la conmemoración de la revolución francesa, de la Exposición Universal y de la Torre Eiffel, Monet comparte una sala con el ahora famoso escultor Auguste Rodin.  Esta exposición va a ser acogida de manera fenomenal y a partir de eso, Claude Monet ya no sabrá que es la necesidad: el futuro ya no le asusta.  Es plenamente consciente de estar representando la expresión de una estética hasta entonces desconocida.  Impone una manera propia de representar al mundo.  En 1890 compra una propiedad en Giverny y deja de viajar.   Con esto Monet aplica otro método: Se esfuerza en concentrar su propia visión y en traducirla en un lapso de tiempo brevísimo.  " Delante de un campo de amapolas, con cuatro caballetes en los que, de vez en cuando, da vigorosas pinceladas a medida que la iluminación cambia con el movimiento del sol". 

En la vejez Monet dedica toda su atención y su energía al jardín.   Más que los árboles y las flores, son las superficies de agua las que le atraen.  Monet sueña con una obra sin precedentes. 

Sus condiciones de salud empeoran, le es diagnosticado un tumor.  El 6 de Diciembre, Claude Monet muere en Giverny. 

Geffroy dice:  "Ha Obtenido un estanque de aguas siempre límpidas, lo ha rodeado de árboles, de arbustos, de flores ha su elección y ha decorado la superficie con nenúfares de varios colores... Sobre de esta agua florida, un ligero puente de madera, al estilo de los puentes japoneses, y en el agua, entre las flores, todo el cielo filtrándose, todo el aire que juega a través de los árboles, todo el movimiento del viento, todos los matices de las horas, toda la grácil imagen de la naturaleza que lo rodea". 

Creo que con esta obra Monet logró captar sobre todo, más allá de la luz, de los colores vívidos y cálidos, del "plein air", de la ruptura con el Salon.  Logró captar sobre todo la esencia de su vida, la tranquilidad que logró encontrar en este jardín, entre los nenúfares y entre la escala de grises y  los colores.  

"Pinto de día, pero pinto también por la noche, en sueños".

                                                   -  Claude Monet.   

Bibliografía:   El impresionismo y los inicios de la pintura moderna, Monet, Planeta Deagostini, Gérard-Georges Lemaire. Ed. Planeta Mexicana. 

Bonampak, "La capilla sixtina mexicana".

"Probablemente, ningún artefacto antiguo del Nuevo Mundo ofrece una compleja visión de la sociedad prehispánica como las pinturas de Bonampak.  Ningún otro trabajo relacionado con los mayas nos acerca a la vida de la corte con tan gran detalle, lo que hace Bonampak y sus murales, un recurso sin paralelo en la comprensión de la sociedad antigua".  
                                 - Mary Miller, profesora de la Universidad de Yale.  Dirige el estudio de los murales.

Bonampak es un sitio arqueológico maya ubicado en la Selva lacandona, en el municipio de Ocosingo, en el estado de Chiapas, México, a unos 30km al sur de la gran ciudad maya Yaxchilán.   Construída entre los años 580 y 800 d.c.

Su nombre significa "Muros Pintados".  Es un sitio maya del período Clásico, su auge se registró entre 650 y 850.
La zona arqueológica fue descubierta por Giles Healy (cineasta y fotógrafo americano), en 1946 fue llevado por un maya lacandón al sitio arqueológico.  En Bonampak existen varios edificios de tamaño mediano que circundan la plaza central, poseen estelas labradas.  El lacandón llevó a Healy al Templo de  los murales, estructura I.  El cineasta quedó asombrado por tal descubrimiento.

En 1948, se realizó una expedición del Instituto Nacional de Antropología e Historia.  Las paredes fueron limpiadas con queroseno, que volvió temporalmente transparente el recubrimiento y las pinturas fueron fotografiadas extensivamente.
No fue hasta 1996 donde comenzó el proyecto de Documentación de Bonampak, llevado por los investigadores de la Universidad de Yale.  Utilizando nuevas tecnologías, basadas en computadora y en fotografía, se logró un mejor rescate y una mucho mejor resolución en la reproducción de los murales.  La limpieza y la reconstrucción tomó alrededor de tres años.
Esto ocasionó que Bonampak adquiriera una fama mundial.

Los murales datan del año 790 y fueron realizadas con una compleja técnica donde sobre un fresco de cal se aplicaron pigmentos en un medio de agua cal mezclado con un aglutinante orgánico.
En el Templo de los Murales se encuentran tres cuartos, en los cuales se encuentran los majestuosos murales de Bonampak.  
- El primero representa una procesión de sacerdotes y nobles.
- El segundo muestra una escena de guerra, con prisioneros a los que les son arrancadas las uñas de los dedos de las manos.
- El tercer cuarto muestra una ceremonia con bailarines usando máscaras de dioses y la familia gobernante perforándose la lengua con agujas de maguey.

Los murales tienen una conservación asombrosa gracias a las acumulaciones calcáreas y de sales sobre la superficie de los murales, impidieron el desprendimiento de las paredes.

Muchos le han llamado a Bonampak como "La capilla sixtina mexicana".

Espinosa, Agustín, Mauricio Rosas, Beatriz Sandoval y Abelardo Venegas, Bonampak, Citicorp, México, 1998. 

Tamayo

Rufino Tamayo es un artista de suma y extensa importancia para la cultura contemporánea de México, hablar de Tamayo es hablar de un artista que logró plasmar metáforas e imágenes poéticas, sus reflexiones sobre tópicos universales como lo absoluto, lo sublime y lo relativo, expresado en la dualidad de la naturaleza más plena del género humano.

Rufino Arellanes Tamayo, nació en Oaxaca, Oaxaca, México el 26 de Agosto de 1899.  En 1907 murió su madre Florentina Tamayo, él quedo al cuidado de su tía Amalia, con quién vivió en México D.F. a partir de 1911.   En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con el cuidado de un negocio de frutas en el mercado de la Merced.

1926, primera exposición de pinturas.  Ese mismo año Tamayo se traslada a Nueva York.  Expone sus obras en el Art Center.  Regresa en 1929 y se convierte en profesor de la Escuela de Bellas Artes.  Durante los siguientes años expuso en San Franciso, Nueva York, Chicago y Cincinnati.
- Durante estos años el primitivismo que plasmaba Tamayo tomó mucha más fuerza, hay una búsqueda estética anclada en las raíces del México indígena.  Rufino toma lo indígena para edificar una imagen pública, conceptualiza una manera "primitiva", con una "moderna".   Debido a sus viajes al extranjero, sobre todo a Nueva York, comienzan a aparecer aspectos de pintura vanguardista extranjera.

Tamayo descubrió las características de lo mexicano en el color local, en la sobriedad del dibujo, en la proporción de la figura humana y en la solidez del volumen.  En sus pinturas, las sensaciones espaciales dependen de los colores y no de una perspectiva geométrica.

En 1950 viajó a Europa, a tiempo que se instalaba la Sala Tamayo Bienal de Venecia, esto despertó el interés de los críticos europeos.   En 1952 concluye dos murales para el Palacio de Bellas Artes.
- Tamayo tiene un estilo propio caracterizado por una síntesis entre las vanguardias artísticas europeas y las culturas prehispánicas y el arte popular de México.   Tamayo va a ser un pintor político, representando una manera de ver al ser humano, expresando el rechazo  y la marginalidad de los pueblos indígenas en México.

En 1974 se inauguró en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y donadas por el artista.  El 29 de Mayo de 1981 se abrió al público el Museo Rufino Tamayo en el Bosque de Chapultepec.   Varias instituciones de enseñanza superior lo han honrado con el título de Doctor Honoris Causa, como por ejemplo: La Universidad Nacional Autónoma de México (1979), El Instituo de Artes de París (1969), Grado de Comendador por la República Italiana (1971), Denominación de Hijo Predilecto por el gobierno de Oaxaca (1972).

Rufino Arellanes Tamayo falleció el 25 de Junio de 1991.

"Lo de Rufino es pintura, pero también ideología y su obra representa un tipo de pensamiento humano en un determinado momento vivencial".  
                                                                  -  Juan Coronel Rivera.

Es una idea común considerar a Rufino Tamayo como una figura precursora "del primer rompimiento con el arte nacionalista".   Una tendencia pictórica que corresponde al interés colectivo de hacer una pintura con identidad propia y con proyección universal.
- Muchos consideran que la pintura de Rufino Tamayo no fue de ruptura, simplemente fue una continuidad en relación con el movimiento artístico pos-revolucionario y con lo prehispánico y popular.

"Si pudiera expresar con una sola palabra lo que distingue a Rufino Tamayo de los demás pintores, diría sin dudar: sol.  Porque el sol está en todas sus pinturas,  lo veamos o no".
                                                                                                                    -  Octavio Paz.

Identidades pictóricas y culturales de Rufino Tamayo, Ana Torres, Universidad Iberoamericana A.C., México. 

http://www.museotamayo.org/semblanza/ 

http://tierra.free-people.net/artes/pintura-rufino-tamayo.php

"Sin Firmamento" Jorge Del Río

Creo y sé que mi técnica no es la mejor.  Podría parecer el dibujo de un niño chico, probablemente de secundaria o hasta de primaria.  Sinceramente cuando la maestra nos dijo que pintáramos algo, no tenía idea qué es lo que iba a trazar mi mano.  Platicando con mis compañeros, mientras veía sus lienzos llenarse de colores, de figuras, de pinturas que considero excelentes.  Notaba que mi lienzo y mi mente seguían en blanco, que los pocos trazos que hacía le daban un cierto tono que no acordaban con lo que yo quería plasmar, ni siquiera sabía que era lo que quería plasmar.  
Cuando había acabado mí "cuadro" quedé completamente inconforme.  Le pasé otra capa de pintura, le pasé otra capa de brochazos sin sentido.  Fue ahí, en esa misma falta de sentido lo que le dio forma a lo que quería plasmar, la falta de sentido y de firmamento.
Sí, probablemente ni yo comprenda de fondo este pequeño "cuadro", aún no sé muy bien si me gusta de lleno este cuadro o si le entienda.  Creo que logra crear ese sentimiento que muchas veces sentimos cuando se nos nubla la vista, cuando perdemos el cielo o el piso.  Al final, al observar el lienzo descubrí que lo que más me gusto de este "cuadrillo" fue que no lo pude comprender de fondo, entendí que no había sido mi mano la que había llevado el trazo, sino "yo".  Ese "yo" que tal vez no comprenda de fondo.

"Sin Firmamento" (título del cuadro), creo que es la mejor forma de explicar por qué hice estos trazos sobre el lienzo.

- Jorge Del Río.

Realismo

"El verdadero sujeto es lo que un individuo conoce y siente sobre las cosas que encontramos en un mundo con gente real y acciones verdaderas".      -Thomas Hart Benton (pintor y muralista americano).


El realismo con base a la definición del diccionario Oxford English Dictionary es:
                     - La apariencia cercana a lo real, fidelidad en la representación, sumisión al detalle preciso de la cosa o escena.

El realismo refleja la forma en la que "todos" vemos el mundo.   Es decir, realista se refiere a tener una existencia objetiva, existiendo como cosa; representando a las cosas como realmente son, mediante una interpretación visual.
Se busca plasmar una visión del mundo única, en la cual el autor basa su obra en su interpretación del mundo cotidiano.
 El realismo se convierte en un récord, no de objetos, sino de como la luz toca, cae y descubre a los objetos.  En su contra, como desaparece y es interrumpida por los mismo objetos.
Nuestra noción de realismo muchas veces tiene que ver con lo que creemos que vamos a ver, sin considerar lo que realmente está frente a nuestros ojos.
El realismo está basado primordialmente en la observación.


Realismo Americano

El realismo americano va de la mano con el desarrollo político y social de los Estados Unidos.
Las más grandes influencias en el desarrollo del realismo americano es la revolución americana y la guerra civil estadounidense.
Las vastas olas de migración en Estados Unidos va a ser una de las principales causas en el auge del realismo americano.
La mayoría de los inmigrantes que llegaron a los Estados Unidos dejaron atrás un esquema social y tuvieron que crear sus nuevas vidas en base al trabajo laboral, implementando y creando una nueva sociedad americana, en base a la "equidad" y práctica laboral.
La representación de la vida cotidiana va a ser la base del realismo americano.
La sociedad estadounidense va a ser una sociedad pionera, personas que han migrado y establecido residencia en un lugar aún no poblado o colonizado.  Por lo tanto la pintura americana se va a basar en los paisajes, la vida que tomaban en un nuevo lugar, representando siempre la cotidianidad y la vida en aquél lugar.

 - Pintura de Eastman Johnson (Life in the South) - Old Kentucky Home (1859).

Pintada justo antes de la guerra civil.  Es un cuadro en el cual el observador (espectador) puede observar y examinar las actitudes y los gestos de las diferentes personas.  Personifica la vida del Sur de los Estados Unidos, así cómo su política durante ese periodo.

Artistas que no tuvieron miedo a ser comparados con artistas europeos, como por ejemplo, John Singleton Copley y Benjamin West, que van a ser considerados los padres del realismo americano.
 A finales del siglo XIX y principios del s. XX  va a comenzar en los Estados Unidos una revolución fotográfica, creando una fascinación en la sociedad americana por la cámara.
La pintura americana adaptó un parecido impresionante con la fotografía.  Muchos de los artistas como Eakins, van a basar sus pinturas conforme a las fotografías que realizaban, imitándo la luz y el movimiento corporal de estas.

- Obra de Thomas Eakins - The swimming hole (1884-1885).

En esta obra se puede observar el interés de Eakins por la fotografía.  Aparecen estudiantes refrescándose de un entrenamiento lucha y boxeo.  Eakins aparece en la parte inferior derecha, nadando hacia el grupo de estudiantes, lo cual le da un soporte a la pirámide y a la pintura.

La obra plasma cualidad y glamour pero no hay erotismo, situación que marca la sociedad de la época.  

Referencia Bibliográfica: Lucie-Smith, Edward. American Realism, 2002.

Conclusión: El realismo americano va a ir contiguo con el crecimiento de los Estados Unidos, va a marcar la tendencia política del momento, al igual que la ideología social que marca dicha época.  El realismo americano busca representar, desde el sentido único del autor, la forma en la que se percibe la realidad de la época.